Nació el 26 de noviembre de 1912 en Slatina, Rumania. Hijo de Eugène Ionesco también y de Teresa Ipcar de nacionalidad francesa. De niño vivió en París mientras su padre cursaba estudios de abogado. En 1914, la familia vivió en Vaugirard.
Con cuatro años hacía demostraciones de marionetas. Su padre regresó a Bucarest en 1916 cuando Rumania se incorporó a la primera guerra mundial y su esposa y sus dos permanecieron en París. Tras finalizar la guerra no tenían ninguna noticia del padre y pensaron que había muerto en el frente. La madre y sus hijos vivieron en el hotel de Nivernais en la rue Blometh. La salud de Eugene era frágil, su madre lo envió a vivir con una familia en el campo, en la Chapelle Anthenaise (Mayenne), donde permaneció de 1917 a 1919 con su hermana más joven, Marilina.
En las escrituras de Ionesco, este período se representa como el período más pacífico y más armonioso de su vida. Aprendió francés en Bucarest antes de regresar a París en 1938, donde se dedicó a escribir. En sus obras se expone la ridícula existencia humana y la incapacidad de comunicación entre las personas. Su pesimismo es la base del teatro del absurdo, movimiento teatral que se lamenta de la falta de sentido de la condición humana. Su primera pieza "La cantante calva", estrenada en mayo de 1950 lo lanza a la fama permaneciendo en cartel por más de 20 años. Utiliza la misma técnica en La lección (1950), en la cual, un profesor asesina a sus pupilos. En Las sillas (1952) dos ancianos hablan con dos personajes irreales. Amadeo o cómo salir del paso (1953) es sobre una pareja dentro de la cual los sentimientos que una vez tuvieron el uno hacia la otra, van produciendo un cadáver que crece amenazadoramente hasta que consigue atraparlos. El nuevo inquilino (1956) trata de un personaje confinado en el espacio de un sillón. En El rinoceronte (1959), su obra más conocida, los habitantes de una ciudad se transforman en rinocerontes. La sed y el hambre (1964) trata de la busca de satisfacción sin éxito alguno. También destacan El rey se muere (1962) y Macbeth.
En 1969 le otorgan el gran premio de las Letras de Mónaco y en 1970 es nombrado miembro de la Real Academia Francesa. Escribió textos sobre teatro, memorias, y la novela El solitario (1974).
Eugène Ionesco falleció en París el 28 de marzo de 1994.
Obras
Teatro
Víctimas del deber (1932)
La cantante calva (1950)
La lección (1950)
El porvenir está en los huevos (1951)
Las sillas (1952)
Amadeo o cómo salir del paso (1953)
L'impromtu de l'alma (La improvisación del alma) (1955)
El nuevo inquilino (1956)
El rinoceronte (1959)
El rey se muere (1962)
Delirio a dúo (1962)
La foto del coronel (1962)
El Cuadro (1962)
El peatón del aire (1962)
La sed y el hambre (1964)
Jacques o la sumisión (1970)
El juego de la peste (1970)
Macbett (1972)
Ese formidable burdel (1973)
El hombre de las maletas (1975)
Viajes al otro mundo (1980)
Novedades del frente de Batalla
Cállate(1981)
Ensayos
La tragédie du langage (1958)
Expérience du théâtre (1958)
Discours sur l'avant-garde (1959)
Notas y contranotas (1962)
Découvertes (Descubrimientos) (1969)
Antídotos (1977)
Le blanc et le noir (1981)
Aquí una entrevista a Ionesco (subtítulos en inglés)
La clave de la obra la da el propio Ionesco en una conferencia realizada en 1958 en los Institutos Franceses de Italia y recogida algunos años después por Editions Gallimard. La cantante calva nace de la necesidad de Ionesco por aprender inglés. En su manual aparecían ya todos los personajes de La cantante calva, a excepción del bombero, que sería añadido posteriormente. Para repasar frases de uso cotidiano la señora Smith informaba a su marido sobre detalles que él ya debería conocer, como cuántos hijos tenían, cuál era su apellido, dónde vivían o dónde trabajaba, que acababan de cenar, que tenían una sirvienta llamada Mary o desde hacía veinte años unos amigos, los Martin, que por cierto en capítulos posteriores visitan a los Smith y tienen los cuatro una conversación donde usan muchas de las frases que aparecen en la última escena de la final de la pieza teatral y que aparentemente no tienen sentido porque construyen un diálogo sin coherencia entre las distintas intervenciones, como que el suelo está abajo y el techo arriba o que la semana tiene siete días. El género elegido no podía ser otro que el teatral, ya que los diálogos entre los Smith y los Martin eran ya propiamente teatro. Fue así como nació La cantante calva, inicialmente titulada La hora inglesa, pero rebautizada como La cantante calva por la lógica de que en la obra no aparece en ningún momento una cantante calva, aunque en una sola ocasión se hace referencia a ella.
Para Ionesco estas frases en inglés del manual de conversación franco-inglesa, que seguramente no pretendían otra cosa más que encajar todas las expresiones cotidianas en una misma situación, se revelaron pronto como axiomas que contenían verdades fundamentales y que era necesario comunicar al mundo. Ionesco, en su aprendizaje del inglés, había ido copiando aparte todas estas frases y al construir La cantante calva las trasladó a la pieza teatral palabra por palabra, sin cambiar siquiera una coma, como con cierto miedo de que al cambiar algo pudiera verse alterada la verdad universal que contenían. El efecto que esto produce es lo que se ha calificado como una de las principales características del teatro del absurdo: la falta de comunicación entre los personajes, trasunto de la falta de comunicación entre los seres humanos. Más que de diálogos, que se vuelven insostenibles, habría que hablar de una sucesión de monólogos sin un hilo que conecte las distintas intervenciones.
La
cantante calva es una obra necesaria para conocer y comprender el teatro
del absurdo. En la escritura de esta obra, considerada por Ionesco como una
tragedia del lenguaje, el autor confiesa sentir una especie de malestar, vértigo
y nausea que desde luego parecen más cercanos al pensamiento de Camus que a un
juego patafísico. Por supuesto que hay comedia en el absurdo, pero más que una
sonrisa optimista es una mueca desencajada que transforma la expresión en
grotesca y un no saber bien de qué nos estamos riendo, o si se quiere, un reírse
del vacío, de ese vacío existencialista de señores tan serios como Sartre que
escriben libros tan serios como El ser y la nada. Existencialismo al
alcance del pueblo. La cantante calva, ahí es nada. Y nunca mejor
dicho.
Es un grupo de teatro
catalán creado en 1979 por Marcel·lí Antúnez Roca, Quico Palomar,
Carles Padrissa y Pere Tantinyà. Se define como un grupo de teatro
urbano que busca un espacio escénico distinto del tradicional. A
partir de los años ochenta, y con obras como Accions,
Suz/o/Suz,
Tier Mon,
Noun, MTM
y Manes,
sus escenografías buscan la integración del público en el
espectáculo e incluyen música, movimiento, uso de nuevas
tecnologías y de materiales naturales e industriales. De este modo
se busca superar los límites impuestos por la concepción habitual
del espacio escénico, y que el actor y el autor logren formar una
misma entidad a través de la creación colectiva.
TRAYECTORIA:
ceremonia de
apertura de los Juegos Olímpicos de 1992 de Barcelona. Firmas como
Pepsi o Mercedes Benz le han encargado «acciones» de promoción.
Fiel a sus principios de creación participativa, La
Fura desarrolla proyectos a través de Internet, como Work in
progress 97, espectáculo en el que se conectaban escenas que
ocurrían simultáneamente en diversas ciudades, dentro de un ámbito
de teatro digital.
Con Atlántida
de Manuel de Falla y El martirio de San
Sebastián de Claude Debussy la
compañía se ha adentrado en el mundo de la ópera. Ha preparado una
puesta en escena de La condenación de
Fausto de Héctor Berlioz para el
Festival de Salzburgo de 1999.
En febrero de 2007 La Fura realizó la
representación de la ópera La fábula
de Orfeo, de Claudio Monteverdi en las
bodegas del barco «Naumon» en el Port Vell de Barcelona, en el 400
aniversario de su estreno en 1607 en el Palacio Ducal de los Gonzaga
en Mantua (Italia) bajo la dirección del clavecinista y director
barcelonés Àngel Villagrasa.
Participaron de la inauguración de los Juegos
Mediterráneos de 2005 en Almería. También llevaron a cabo el
espectáculo principal del cierre de las celebraciones por el
Bicentenario del Levantamiento del dos de mayo en 2008 en la Plaza
Mayor de Madrid.
FUNDADORES:
OBRAS RECIENTES:
2009
Premios Líricos Teatro Campoamor. La
producción de la Tetralogía de Richard Wagner del Palau de les
Arts Reina Sofía ha obtenido el premio a la mejor dirección de
escena, a cargo de Carlus Padrissa.
2008
La Fura dels Baus obtiene el prestigioso premio
italiano Abbiati 2008 por las producciones del Palau de les Arts
y el Maggio fiorentino Das Reingold y Die Walküre
2007
Premio Teatro Campoamor a la mejor nueva
producción: Palau de Les Arts de Valencia, por la nueva
tetralogía de R. Wagner, de la cual se ha representado El oro
del Rhin y La Valquiria, con la dirección de escena de La Fura
des Baus (Carlus Padrissa). Palau de Les Arts Reina Sofía,
Valencia. Abril 2007.
2003
Garza de Oro del VII Festival de Cine Latino de
Miami: Mejor Película por Fausto 5.0, Mejor Director,
Isidro Ortiz, Álex Ollé y Carlos Padrissa por Fausto 5.0,
y Mejor Actor, Eduard Fernández por Fausto 5.0.
VII Premio Méliès de Oro a la mejor película
europea de cine fantástico por Fausto 5.0, otorgado por
la Federación Europea de Festivales de Cine Fantástico, en
Luxemburgo
2002
Mejor espectáculo teatral del 2002,
XXX, según los lectores de El País de las
Tentaciones.
Premio Goya a la mejor interpretación
masculina a Eduard Fernández por Fausto 5.0
Mención Especial del jurado a Fausto 5.0
y Cuervo de Plata al mejor actor a Eduard Fernández por Fausto
5.0, en el XX Festival Internacional de Cine Fantástico de
Bruselas.
Gran Premio del Festival Internacional de Cine
Fantástico de Gérardmer (Francia) a Fausto 5.0.
Gran premio a Fausto 5.0 y premio a
los mejores actores protagonistas –Eduard Fernández y Miguel
Ángel Solá– en el Festival de cine fantástico Fantasporto
(Oporto).
2001
Mención especial del jurado del Sitges
Festival Internacional de Cinema de Catalunya a Fausto 5.0
por «haber sabido prolongar en el lenguaje del cine un discurso
creativo nacido y desarrollado en otros ámbitos artísticos».
Premio del Sitges Festival Internacional de
Cinema de Catalunya al Mejor Actor a Eduard Fernández por Fausto
5.0.
Premio Möbius International de la Culture
Artistique (Pekín) a la web de DQ. Don Quijote en Barcelona.
Mención especial del Jurado a Fausto 5.0
en el Festival de Cine Español y Mexicano de Macao.
Premio a la mejor dirección a Isidro Ortiz,
Alex Ollé y Carlos Padrissa por la película Fausto 5.0
en el Festival de Cine Opera Prima Ciudad de Tudela.
2000
Premio Möbius Barcelona Multimedia Net. Art a
la web de DQ. Don Quijote en Barcelona.
Premio de la SGAE de Autores Multimedia a la
Mejor Música por la web de DQ. Don Quijote en Barcelona.
Premio ARCO - El Mundo 2001 a la mejor web de
Net.Art, votada por los internautas, por DQ. Don Quijote
en Barcelona
Premio a la Investigación en el campo de la
automoción de la Fundación Barreiros por Furamòbil.
1999
Mejor espectáculo teatral del 1999, F@ust
3.0, según los lectores de El País de las Tentaciones.
Premio Mejor Dirección Teatral del Ajuntament
de Tarragona a Carlos Padrissa y Alex Ollé por F@ust 3.0.
Medalla de Oro de la Quadrienal de Praga a la
mejor escenografía por La Atlántida y La
condenación de Fausto.
Premio ACE al mejor espectáculo extranjero a
F@ust 3.0, Buenos Aires.
Medalla de oro de la Quadrienal de Praga a la
mejor escenografía por La Atlántida, El martirio
de san Sebastián y La condenación de Fausto.
1998
Premio Ercilla de Bilbao al mejor espectáculo
teatral por F@ust 3.0.
Premio de la crítica teatral de Barcelona por
la iluminación y los audiovisuales de F@ust 3.0.
Premio MAX de las Artes Escénicas por la
proyección internacional de La Fura dels Baus.
1997
Premio de Honor Sebastià Guasch del FAD a la
trayectoria artística de La Fura dels Baus.
1996
Premi de Teatre del Festival de Glasgow per
MTM.
1995
Premio Libertad del nternational Peace Center
de Sarajevo.
Medalla de Oro de la Quadrienal de Praga al
Mejor Vestuario por Mediterráneo, mar olímpico.
Premio FITEI de Oporto, Portugal, por MTM.
BERTHOD
BRECHT ( por Aarón Fernández Pan 1ºB)
Eugen Berthold
Friedrich Brecht; Augsburg, 1898 - Berlín oriental, 1956. Escritor alemán. Además de ser uno de los dramaturgos
más destacados e innovadores del siglo XX, cuyas obras buscan siempre la
reflexión del espectador, trató también de fomentar el activismo político con
las letras de sus lieder, a los que Kurt Weill puso la música.
Comenzó en
Múnich sus estudios de Literatura y Filosofía en 1917, a los que añadiría
posteriormente los de Medicina. Durante la I Primera Guerra Mundial comenzó a
escribir y publicar sus obras. Desde 1920 frecuentó el mundo artístico de
Múnich y trabajó como dramaturgo y director de escena. En este entorno conoció
a F. Wedekind, K. Valentin y L. Feuchtwanger, con quienes mantuvo siempre un
estrecho contacto. En 1924 se trasladó a Berlín, donde trabajó como dramaturgo
a las órdenes de Max Reinhardt en el Deutsches Theater; posteriormente colaboró
también en obras de carácter colectivo junto con Elisabeth Hauptmann, Erwin
Piscator, Kurt Weill, Hans Eisler y Slatan Dudow, y trabó relaciones con el
pintor Georg Grosz.
En 1926
comenzó su dedicación intensiva al marxismo y estableció un estrecho contacto
con Karl Korsch y Walter Benjamin. Su Dreigroschenoper (Opera de
cuatro cuartos, 1928) obtuvo en 1928 el mayor éxito conocido en la
República de Weimar. En ese año 1928 se casó con la actriz Helene Weigel.
Será en 1930
cuando comience a tener más que contactos con el Partido Comunista Alemán. El
28 de febrero de 1933, un día después de la quema del Parlamento alemán, Brecht
comenzó su camino hacia el exilio en Svendborg (Dinamarca). Tras una breve
temporada en Austria, Suiza y Francia, marchó a Dinamarca, donde se estableció
con su mujer y dos colaboradoras, Margarethe Steffin y Ruth Berlau. En 1935
viajó a Moscú, Nueva York y París, donde intervino en el Congreso de Escritores
Antifascistas, suscitando una fuerte polémica.
En 1939,
temiendo la ocupación alemana, se marchó a Suecia; en 1940, a Finlandia, país
del que tuvo que escapar ante la llegada de los nazis; y en 1941, a través de
la Unión Soviética (vía Vladivostok), a Santa Monica, en los Estados Unidos,
donde permaneció aislado seis años, viviendo de guiones para Hollywood. En 1947
se llevó a la pantalla GalileoGalilei, con muy poco éxito. A raíz del
estreno de esta película, el Comité de Actividades Antinorteamericanas le
consideró elemento sospechoso y tuvo que marchar a Berlín Este (1948), donde
organizó primero el Deutsches Theater y, posteriormente, el Theater
am Schiffbauerdamm. Antes había pasado por Suiza, donde colaboró con M.
Frisch y G. Weisenborn.
En Berlín,
junto con su esposa Helene Weigel, fundó en 1949 el conocido Berliner
Ensemble, y se dedicó exclusivamente al teatro. Aunque siempre observó con
escepticismo y duras críticas el proceso de restauración política de la
República Federal, tuvo también serios conflictos con la cúpula política de la
República Democrática.
Brecht es
sin duda uno de los dramaturgos más destacados del siglo XX, además de uno de
los líricos más prestigiosos. Aparte de estas dos facetas, cabe destacar
también su prosa breve de carácter didáctico y dialéctico. La base de toda su
producción es, ya desde los tiempos de Múnich, una posición antiburguesa, una
crítica a las formas de vida, la ideología y la concepción artística de la
burguesía, poniendo de relieve al mismo tiempo la necesidad humana de felicidad
como base para la vida.
Con su
dedicación al marxismo, esta postura se hizo mucho más radical y pasó de hacer
referencia a un individuo aislado a enmarcarse en el ámbito del conjunto de la
sociedad: el individuo autónomo aniquilado por el capitalismo (Mann ist Mann,
El hombre es el hombre, 1924/25) consigue nuevas cualidades dentro del
colectivo. Con el personaje que da título a su drama Baal (1922), Brecht
creó un tipo que aparece a lo largo de toda su producción en diversas
variaciones (Schweyk im Zweiten Weltkrieg, Schweyk en la Segunda
Guerra Mundial, 1943) y que se expresa de manera mucho más radical en los
fragmentos Untergang des Egoisten Johann Fatzer (El ocaso del egoísta
Johann Fatzer, 1927/30) y Die Reisen des Glücksgotts (Los viajes
del dios de la suerte, 1941).
La posición
opuesta la representan las figuras maternales junto con el colectivo revolucionario
y los dialécticos (Geschichten von Herrn Keuner, Historias del señor
Keuner, 1930). El desarrollo literario de Brecht, que en su lírica pasa
desde un acercamiento crítico a la "Neue Sachlichkeit" hasta formas
de resistencia colectiva (Lieder-Gedichte-Chöre, Canciones-Poemas-Coros,
1934), está influido por la Biblia de Lutero, la obra de Shakespeare y
la Antigüedad Clásica, así como por el teatro asiático y la filosofía china.
Brecht
entiende la filosofía como la doctrina del buen comportamiento, una categoría
que resulta fundamental en su obra. En este sentido entiende sus textos como
intentos progresivos de provocar asombro, reflexión, reproducción y cambios de
actitud y de comportamiento en el espectador. Para ello utiliza el conocido
"efecto de distanciamiento" ("Verfremdungseffekt"), que no
debe ser entendido sólo como una técnica estética, sino como "una medida
social". Sus intentos dramáticos más radicales de carácter pedagógico y
político son Lindberghflug (El vuelo de Lindbergh, 1929), Das
Badener Lehrstück und der Neinsager (La parábola de Baden y el que decía
que no, 1930), Die Maßnahme, (La medida, 1930), Die
Ausnahme und die Regel (La excepción y la regla, 1930) y Die
Horatier und die Kuratier (Los horacianos y los curacianos, 1934);
en todos ellos se pone de relieve una fuerte separación entre escenario y
espectador.
Con la
llegada del nacionalsocialismo todos estos intentos revolucionarios perdieron
sus presupuestos sociales. En el exilio, Brecht escribió sin publicarlas
algunas de sus piezas más conocidas: Leben des Galilei (Vida de
Galileo Galilei, que apareció en 3 versiones: una danesa de 1938-39, otra
americana de 1945-46, y la tercera, berlinesa, de 1953-55), Mutter Courage
und ihre Kinder (Madre Coraje y sus hijos, 1939), Der gute Mensch
von Sezuan (El hombre bueno de Sezuan, 1943), Herr Puntila und
sein Knecht Matti (El señor Puntila y su criado Matti, 1940), aparte
de escritos teóricos sobre teatro (Der Messingkauf, La compra de
latón, 1939/40) y algunos apuntes para unas novelas (Tui-Roman, Novela
de Tui, 1930/42; Die Geschäfte des Herrn Julius Caesar, Los
negocios del señor Julio César, 1938/39). Con sus análisis sobre el
fascismo y los Svendborger Gedichte (Poemas de Svendborg, 1939)
tomó parte activa en la lucha antifascista.
Condicionado
por la situación social, tras 1945 trabajó sólo en obras de carácter didáctico,
olvidando sus experimentos de los primeros años. Tal vez esto fue lo que le
convirtió en un clásico hasta el punto de que el teatro actual (tanto en la
antigua RDA como en la antigua RFA) sería impensable sin él.
Bertold Brecht ( por Aarón Fernández Pan 1ºB)
La opera de los 3 centavos
Ambientada
en un Londres victoriano marginalmente anacrónico, la obra se
centra en Macheath, un criminal amoral y antiheroico.
Macheath
(Mackie Messer, o Mack el Navaja) se casa con Polly Peachum. Esto
desagrada a su padre, quien controla a los mendigos de Londres, y pretende que
cuelguen a Macheath. Sus intentos se ven frustrados por el hecho de que el Jefe
de Policía, Tiger Brown, es un viejo camarada de armas de Macheath. Aun así,
Peachum ejerce su influencia y con el tiempo consigue que arresten a Macheath y
lo sentencien a ser colgado. Macheath escapa a su destino a través
de un deus ex machina momentos antes de la ejecución
cuando, en una parodia
nada contenida de un final feliz, un mensajero de la Reina llega para perdonar
a Macheath y otorgarle un título de barón.
La ópera de los tres centavos es una obra de teatro épico.
Desafía las convencionales nociones de propiedad así como las del teatro.
Dramatiza la pregunta: "¿Quién es un criminal mayor? ¿El que roba un banco
o el que funda uno?" La ópera de los tres centavos es también un
temprano ejemplo del moderno género de la comedia
musical. Su partitura está muy influida por el jazz. La orquestación
exige un pequeño conjunto con una buena cantidad de doblaje de instrumentos (en
las representaciones originales, por ejemplo, alrededor de 7 intérpretes
tocaban un total de 23 partes instrumentales, aunque en las interpretaciones
modernar se suelen usar unos cuantos instrumentistas más).[] Su apertura y lamento de cierre,
"La balada de Mackie Messer", se escribió justo antes del estreno en
Berlín, cuando el actor Harald Paulsen (Macheath) amenazó con marcharse si su
personaje no recibía una introducción; esta emergencia creativa dio como
resultado la canción más popular de la obra, más tarde traducido al inglés por Marc
Blitzstein como "Mack the
Knife" y actualmente un estándar jazzístico que Louis
Armstrong, Bobby Darin, Ella Fitzgerald,
Frank Sinatra,
Michael Bublé,
Robbie
Williams, Ray Quinn e innumerables otros han
interpretado. Otra canción bien conocida, grabada por Nina Simone,
Judy Collins
y Marc Almond,
es "Pirate Jenny", que
también ha sido grabada por Steeleye Span con el título alternativo de
"The Black Freighter". Los Pet Shop Boys,[]Tom Waits y William S.
Burroughs han grabado "The Second Threepenny
Finale" con el título "What Keeps Mankind Alive?".
Argumento
Prólogo
Una cantante callejera entretiene al público con la titulada "Die
Moritat von Mackie Messer" ("Balada de Mac el Navaja"). Al
acabar la canción, un hombre bien vestido sale del público y entra en escena.
Es Macheath, alias "Mac el Navaja".
Acto I
Peachum, líder de una banda de delincuentes, nota que su hija Polly no
volvió a casa la noche anterior. Peachum concluye que se ha liado con Macheath,
lo que no le gusta nada y se decide por romper esa relación y destruir a
Macheath. En un establo vacío, Macheath se prepara para casarse con Polly una
vez que su banda ha robado todo lo necesario, comida y mobiliario. Se
intercambian votos, pero Polly está satisfecha, y todos se sientan al banquete.
Polly canta "Seeräuberjenny", una
fantasía de venganza en la que una doncella se vuelve reina de los piratas. La
banda se pone nerviosa cuando el Jefe de Policía, Tiger Brown, llega, pero todo
es parte de una farsa; Brown ha servido con Mac en las guerras coloniales de
Inglaterra y ha evitado muchas veces el arresto de Mac; los viejos amigos
cantan a dúo la "Kanonen-Song" ("Canción del cañón" o
"del ejército").
Acto II
Polly advierte a Macheath que su padre intentará que lo arresten. Mac
decide huir de la ciudad pero antes para en un burdel donde encuentra a una
antigua amante, Jenny. Cantan juntos la "Zuhälterballade" sobre sus
días juntos, pero Macheath ignora que la señora Peachum ha sobornado a Jenny
para entregarlo. No hay nada que Brown pueda hacer y encarcelan a Macheath.
Lucy, la hija de Brown, ayuda a Macheath a escapar. Cuando el señor Peachum lo
descubre, él se enfrenta a Brown y lo amenaza, diciéndole que a menos que
libere a todos sus mendigos durante la coronación de la reina Victoria, arruinará la
ceremonia y eso le costará a Brown su trabajo.
Acto III
La única opción de Brown para apaciguar a Peachum es arrestar a Macheath y
hacerlo ejecutar. Macheath está de nuevo en la cárcel e intenta
desesperadamente reunir suficiente dinero para sobornar y salir de nuevo,
incluso mientras se alza el cadalso. Pronto queda claro que ni Polly ni los
miembros de la banda podrán reunir el dinero, y Macheath se prepara para morir.
Luego un giro repentino e intencionadamente cómico: un mensajero a caballo
llega a anunciar que Macheath ha sido perdonado por la reina y le han dado un
título, un castillo y una pensión. El reparto entonces canta el final, que
acaba con una petición de que no se castiguen las maldades demasiado duramente
pues la vida ya es bastante dura.
Una pequeña parte desta opera:
Els joglars( por Aarón Fernández Pan 1ºB )
MIEMBROS
-Ramos
Fontserè: director, actor y dramaturgo.
-Albert
Boadella: fundador compañía y dramaturgo.
-Pilar Sáez:
actriz.
-Dolors
Tuneu: actriz.
-Xavi Sais:
actor.
-Xevi Vilà:
actor.
-Martina Cabanas:
ayudante de dirección y dramaturgo.
EQUIPO
TECNICO: - Xavi Sáenz: técnico en gira.
-Jesús Díaz Pavón: coordinación técnica.
ADMINISTRACION: - Marcos Amat:
produción ejecutiva.
-Alba Espinasa: contratación,
distribución y prensa.
Desde 1961 el teatro de Els Joglars
ha compaginado dos tendencias que rara vez aparecen juntas: la investigación
fuera de cualquier convencionalismo y la popularidad. Estamos acostumbrados a
ver las más interesantes experiencias de investigación reducidas siempre a un
público minoritario, de la misma forma que cuando un teatro se distingue por
una notable popularidad, lo es muchas veces a través de fórmulas de una
comercialidad grosera. Conseguir pues un alto índice de audiencia con obras
innovadoras desde el punto de vista del estilo y los contenidos, ha sido la
pirueta más singular de la compañía.
Els Joglars ha mantenido el
procedimiento de un teatro crítico directamente relacionado con la realidad
circundante. Por este motivo sufrieron prisión y un consejo de guerra militar
por las representaciones de la obra La torna en 1977. Pero después, ya
en plena democracia, diversos procesos y polémicas surgieron como consecuencia
de otras obras, por eso con el tiempo la compañía se ha ganado el carisma de
una de las voces más críticas y libres de la sociedad española.
La historia de Els Joglars es la
historia de la búsqueda y la investigación constante y de la construcción de un
lenguaje teatral partiendo de la escuela del mimo clásico hasta la
incorporación de todos los elementos dramáticos posibles, con una fórmula de
trabajo basada en la artesanía colectiva de una gran implicación personal y
profesional, cooperitizada e independiente –un claro sinónimo de sacrificio y
austeridad, dedicación exclusiva y muchas horas de trabajo- que proporciona un
método de trabajo vivo y en permanente evolución.
La sala de ensayo de Els Joglars,
una cúpula geodésica situada en medio de bosques a 100 km. de Barcelona, se
convierte en un privilegiado observatorio que facilita una visión profundamente
universal sobre los mecanismos de perpetuación del poder en diferentes ámbitos
y facetas, el gran tema de Els Joglars y que después de más de cuarenta y cinco
años de existencia se concreta en miles de representaciones de treinta y cuatro
obras teatrales en más de veinte países de Europa y América aparte de las
producciones para televisión, cine y varios libros y estudios sobre la
actividad de la compañía.
MOTANJES
Para que todo el mundo pueda
entender la forma como Albert trabaja las dramaturgias con los actores, ha
llamado a su método: método emergente. Lo ha intentado explicar gráficamente a
partir de una espiral: girar alrededor de un punto en concreto con la intención
de ampliar las posibilidades para volver a concretar de nuevo.
Lo ha comparado con el proceso
deductivo del personaje de Georges Simenon, el comisario Maigret: investigar un
tema, desmenuzarlo en mil trozos, registrándolos uno por uno y buscando pistas
con las cuales encuentra pruebas que daran sentido a su discurso. Y ciertamente
es así como trabaja, y cuando dice que su método se basa precisamente en no
tener método, es la definición que mejor encaja con su manera de hacer y de
ser. Una filosofía fundamentada en la experimentación. Prueba, jugando. Se da
cuenta de los errores. Duda. Busca. Excluye y renueva, hasta que surge el hallazgo.
Al descubrir la síntesis, emerge la poética.
Para los diferentes procesos de trabajo propuestos
para cada montaje, el aislamiento en el campo y la proximidad cotidiana de
todos los que participan favorece la concentración, la eficacia y la continuidad
sin interferencias en el proceso de creación teatral. De cara al montaje de Mary d’Ous, la compañía se instaló
en Pruit en junio de 1972, iniciando un sistema de trabajo que ha acabado
siendo el definitivo.
En 1976 se construye una Cúpula geodésica que
proporciona un espacio adaptado a las necesidades artísticas del grupo. La
torna es la primera obra producida en la cúpula. El 1983 se compra dentro del
municipio de Pruit (a 120 km. de Barcelona) una finca, El Llorà, que sirve para
alojar el grupo durante el tiempo dedicado a la producción.
En sus obras se expone la ridícula existencia humana y la incapacidad de comunicación entre las personas. Su pesimismo es la base del teatro del absurdo, movimiento teatral que se lamenta de la falta de sentido de la condición humana. Su primera pieza "La cantante calva", estrenada en mayo de 1950 lo lanza a la fama permaneciendo en cartel por más de 20 años. Utiliza la misma técnica en La lección (1950), en la cual, un profesor asesina a sus pupilos. En Las sillas (1952) dos ancianos hablan con dos personajes irreales. Amadeo o cómo salir del paso (1953) es sobre una pareja dentro de la cual los sentimientos que una vez tuvieron el uno hacia la otra, van produciendo un cadáver que crece amenazadoramente hasta que consigue atraparlos. El nuevo inquilino (1956) trata de un personaje confinado en el espacio de un sillón. En El rinoceronte (1959), su obra más conocida, los habitantes de una ciudad se transforman en rinocerontes. La sed y el hambre (1964) trata de la busca de satisfacción sin éxito alguno. También destacan El rey se muere (1962) y Macbeth. 
